Кинетическое искусство - это что такое?

Кинетическое искусство - это одно из многих направлений в современном художественном творчестве. Да и не только в художественном, ведь суть этого вида искусства - это "оживление" чего-либо (скульптуры, картины или любой другой композиции). В этой статье мы подробно разберем, что такое кинетическое искусство, когда оно зародилось, и назовем самых выдающихся представителей.

Термин

Произошел он от греческого kinetikos, что в переводе означает "приводящий в движение". Собственно, и задачи, которые ставит перед собой данный вид искусства, - это доказывать, что не все лежит в плоскости и остается неподвижным, даже если речь идет, например, о картине великого живописца. Также, помимо движения, в данный термин вкладывают еще одно условие - трехмерность.

Движение в кинетическом искусстве делят обычно на два вида: очевидное и движение. Очевидное - это приводящееся в движение с помощью механизмов, ветра или посредством самих наблюдателей. А виртуальное - это "обманчивое движение", которое создается за счет света, наложения красок, угла зрения.

Зарождение

Кинетическое искусство, история которого насчитывает чуть больше века, не пришло "из пустоты". В конце девятнадцатого века, когда уже работали такие титаны, как Клод Моне, Эдгар Дега и Эдуард Мане, требования к искусству (в том числе и к визуальному) стали меняться: было необходимо движение, "статика" уже мало впечатляла простых наблюдателей. Хороший пример - это картины Дега: "Танцор" и "Портрет скаковой лошади". Именно в них видно - художник постарался "бросить вызов" традициям и привнести движение на свои полотна.

В начале двадцатого века появилась знаковая для развития кинетического искусства скульптура - "Кинетическое строительство" (или же "Постоянная волна") автора Наума Габо. Сам Габо считал, что его творение - первое в двадцатом веке, которое можно отнести к новому направлению. В принципе, сложно с ним не согласиться.

Развитие кинетического искусства

Выше уже были названы такие известные в кинетическом искусстве художники, как Моне, Дега и Мане. Действительно, именно они стали первыми подчеркивать движение на своих полотнах. Начиная с двадцатых годов, этот вид творчества находил все больше последователей, и причин для этого несколько: минувшая война разрушила у многих старые верования и устои (в том числе и в творчестве), необходимо было что-то новое. Также одна из причин - это технический прогресс, который в двадцатом веке не останавливался ни на минуту.

Кинетическое искусство (определение выше) в течение всего двадцатого века объединило в себя такие вещи, как сюрреализм, а позже - различные арт-направления. Художникам теперь мало было исключительно холста и краски, они использовали все, что можно было найти, увеличивая этим не просто визуальный эффект, но придавая своим творениям дополнительную смысловую нагрузку. Ниже мы разберем основных деятелей кинетического искусства двадцатого, а позже - двадцать первого века.

Мане, Моне и Дега

Сначала поговорим о тех, кто встал во главе списка художников, работающих в совершенно новых стилях и плоскостях.

Эдуард Мане - человек, писавший всегда на стыке нескольких жанров и стилей. Пожалуй, одна из работ, которая действительно открывает "новую эру кинетического искусства" - это Le Ballet Espagnol (1862). На данной картине Мане отображает именно момент, а не статичные действия - это показывает и расплывчатость, полустертость цветов, и тень, показывающая картину словно бы "вглубь".

Еще одно произведение, которое стоит отметить у Мане - это Le déjeuner sur l'herbe 1863 года. Опять же - расплывчат свет, показаны контурные тени, а фигура на заднем плане словно бы вся в движении.

Следующий в списке - Эдгар Дега, и, как считают многие, он уже более радикален в своих поисках, чем Мане. Мане ищет сюжеты в гонках, в танцах, изображая напряжение и смелость.

L’Orchestre de l’Opera - это одна из самых сильных работ художника. Он делит холст не только на несколько планов, создавая движение на заднем фоне и показывая почти полностью статичной композицию впереди. Еще следует отметить работу Дега под названием Voiture aux 1872 года.

Кстати, написанные в 1884 году несколько работ с матчей по поло, среди которых выделяется Chevaux de Course, впечатлили не только творческую богему того периода и всех любителей живописи, но и Моне, речь о котором пойдет ниже.

Дега и Моне, как представители кинетического искусства, вообще очень близки были по стилистике и по манере написания своих картин. С середины семидесятых Моне "нащупывает" новый стиль для себя - он начинает создавать движение на картинах за счет быстрых и, иногда кажется, не очень точных мазков. Такая манера создавала не только ощущение движения на картине, но словно бы вибрацию. Например: Le Bateau-Atelier su Seine или Lazare Gare.

Огюст Роден

Этот художник был очень впечатлен тремя вышеназванными и изначально следовал их манере написания картин. Как критик и искусствовед он издал несколько статей, в которых поддерживал Моне и Дега, теоретически стараясь обосновать их эксперименты. Именно в этих теоретических работах Роден написал, что Моне и Дега создают на полотнах иллюзию реальной жизни со всем своим движением.

В восьмидесятых годах девятнадцатого века Роден стал пересматривать свои взгляды на живопись и пришел к заключению, что публика все еще не готова воспринимать движение на картинах, так как картина, прежде всего, это статичный образ.

А еще позже, уже к концу века, у скульптора вновь случилась переоценка своих взглядов, и Роден вновь устремился к попыткам привнести движение в искусство. Собственно, за что и стали сильно критиковать скульптора под конец жизни. Но именно это и сделало Родена тем, кем мы знаем его сейчас - новатора и во многом основателя современной скульптуры.

Сюрреалисты 20 века: Глейзес, Поллок и Билл

Имя Глейзеса была ключевым в конце девятнадцатого века и в начале двадцатого. Его теоретические работы о кубизме, начиная с десятых годов, становятся базовыми для всех, кто так или иначе имеет отношение к современному искусству.

Глейзес подчеркивал обязательность ритма на картине, который следовало бы показывать за счет неясности форм и расплывчатости цветов. Главный упор любого произведения, как считал Глейзес, необходимо делать на движение, а все остальное - это не более чем фон.

Очень интересен по стилю был Поллок, который славился своими методами работы. Он разбрызгивал краску, иногда уже на готовую работу, чтобы подтеками красок "сообщить" картине движение. Очень часто он ставил эксперименты над материалами, с которыми ему приходилось работать. В 1947 году он написал картину "Собор" алюминиевой краской, а потом с помощью разбрызгивания почти уничтожил полотно. Поллок считал, что дает таким образом свободу искусству и всем материалам, которые создают это искусство. Именно так художник понимал кинематику, то есть движение, на холсте. Поллок оказал значительное влияние на творчество второй половины двадцатого века.

Следующее имя - это Макс Билл, который в 1930 годах попал под сильнейшее влияние нового искусства и не смог отойти от него уже до конца жизни. Билл проявил себя не только как художник, но и как скульптор, архитектор и дизайнер. Среди лучших его работ можно назвать "Строительство с Приостановленным Кубом", дизайн под названием «Ульмская стойка» и "Тройную колонну в Штутгарте".

"Мобильные скульптуры", или Кинетическое искусство 20 века

Макс Билл во многом положил начало новой мысли двадцатого века. По словам исследователей, именно он дал скульптуре свободу движений в большом объеме. В данном разделе мы поговорим о последователях Билла: Татлине, Родченко и Кодлере.

Владимир Татлин - именно он создатель скульптуры, которая станет символом и визитной карточкой всего мирового конструктивизма и авангарда. Речь идет, конечно, о "Проекте Памятника III Интернационала".

Некоторые искусствоведы называют Татлина не иначе, как продолжателем идей Пикассо. Еще Татлин очень известен своими спорами с Малевичем, который всегда настаивал на том, что в основе творчества - форма и цвет. Татлин же придерживался позиции, при которой в основе всего стояло осязание.

Александр Родченко по отношению к своему творчеству выработал такое кредо: искусство - это прежде всего изобретение новых форм и возможностей. Рассматривать его необходимо как большой эксперимент, где каждая работа минимальна по живописности и ограничена в выразительности. Родченко также был известен в Советской России как один из крупнейших фотографов.

Александр Кодлер, прежде всего, ассоциируется с замысловатыми скульптурами из проволоки и сложными системами, которые еще и приводились в движение с помощью различных механизмов или под воздействием ветра (так называемые "мобили Кодлера"). Его скульптуры сейчас стоят во многих городах Европы и Америки. Например: стабиль "Человек" , который находится в Монреале.

Виртуальное движение

С середины двадцатого века новое искусство полностью овладело вниманием зрителей. Совершенно новые формы, идеи плюс развитие технологий - все это позволило художникам не стесняться в выборе средств для передачи эмоций и чувств.

После Кодлера, Татлина и Родченко очень громко о себе заявил Виктор Вазарели. Для своего времени (это середина двадцатого века) Вазарели привлекал внимание виртуальностью своих работ. Он не боялся пытаться оживлять свои работы за счет интерактива, используя электричество. Одна из самых его известных работ - это Gordes/Cristal.

Понятие "очевидного движения" и оп-арт

Очевидное движение - это одна из составляющих кинетического искусства. Описание и исполнение многих работ связано с развитием технологий, данный вид движения стал не только популярен, но и повсеместен. А термин "оп-арт" - это обновленное понятие "виртуального движения", или же "оптического движения". Для этого используют не только краски и различные материалы, но и зеркала, лабиринты, маятники и многое другое.

Среди наиболее ярких представителей, использующих и пропагандирующих "оп-арт", можно выделить: Бриджит Райли, Якова Агамома, Хесуса Рафаэля Сото и многих других.

Современное кинетическое искусство

В 2013 году, в ноябре месяце, была проведена глобальная выставка под названием "5 000 движущихся частей". Там были показаны работы Артура Гэнсона, Энн Лилли, Рафаэля Лозано-Еммера, Джона Дугласа Пауэрса и многих других современных художников. Элементы компьютерной графики, зеркальные лабиринты, световые и звуковые шоу - теперь такие вещи можно встретить везде, где речь идет о такой вещи, как кинетическое искусство. История - штука интересная, и то, что полтора века назад воспринималось как нечто несерьезное, сейчас вошло в нашу повседневную жизнь. Ведь те, кого сейчас называют художниками, не только творят "по зову сердца", но и проектируют, создают дизайны, занимаются оформлением.

Заключение

Художественное творчество сейчас - это уже не просто кисточки, краски и холсты. Это целые композиции, в которых используют электричество, свет, звук, различные механизмы. В данное статье мы разобрали, что такое кинетическое искусство в живописи, проследили развитие этого направления от девятнадцатого века до современности.